Jak pisać, reżyserować i edytować własny film

Czy kiedykolwiek chciałeś zrobić swój własny film? Pisanie, reżyserowanie inauka edycjiTwój własny film jest zniechęcającą propozycją, ale daje Ci pełną kontrolę nad swoim dziełem. Powinieneś być gotów włożyć dużo pracy, aby nakręcić film, ale powinieneś być również przygotowany na dużo zabawy. Więc chwyć kilku przyjaciół, zbierz aparat i przygotuj się do akcji - dzwoni Hollywood.

Kroki

metoda jeden z 4: Pisanie filmu

1. jeden Wyjść z pomysłem. Jeśli nie masz wyobraźni wielkości Oceanii, to będzie najtrudniejsza część. Wymyślenie pomysłu na film nie musi jednak być intensywną rozgrywką z Muzą Artystyczną. Spróbuj znaleźć jedno dobre zdanie, takie jak to, które przeczytałeś w opisie filmu, aby oprzeć swój film. Jaki jest konflikt, charakter lub historia ty chcieć powiedzieć? Podczas planowania pamiętaj o kilku rzeczach:
   • Mniejsze jest lepsze - jeśli robisz to sam, każda dodatkowa postać, lokalizacja i efekt specjalny będą musiały zostać sfinansowane i wymyślone w pewnym momencie.
   • Do jakiego gatunku dążysz? Komedia? Sci-fi? Dramat? Kiedy już znasz swój gatunek, możesz zacząć myśleć o fabułach i postaciach, które do niego pasują.
   • Jakie są kombinacje filmów, których nie widziałeś? Choć wydaje się to dziecinne, prawie wszystkie filmy i programy telewizyjne są hybrydami innych filmów, programów telewizyjnych i gatunków. Na przykład, Zmierzch to Vampire + Romance Novel. Widziałeś dobry komediowy western? A co powiesz na sci-fi palacza? Jak możesz dopasować swoje zainteresowania w nieoczekiwany sposób?
   • Gdzie masz doświadczenie? Czy potrafisz w oryginalny sposób skomentować codzienne życie pracownika biurowego? Czy wiesz więcej o disc golfie niż ktokolwiek inny? Czy jest gdzieś film w tych doświadczeniach?
   • Poszukaj inspiracji w „liniach dziennika” swoich ulubionych filmów. Są to podobne, jednozdaniowe streszczenie filmów, za pomocą których sprzedawano scenariusz reżyserom. Możesz przeszukiwać tysiące z nich online.
2. 2 Wymyśl swoje postacie. Postacie napędzają historie. Prawie wszystkie filmy są wynikiem postaci, która czegoś chce, ale nie może tego zdobyć. Następnie film pokazuje próby i udręki postaci, gdy próbują spełnić swoje pragnienia (zdobyć dziewczynę, ocalić świat, studia magisterskie itp.). Widzowie odnoszą się do postaci, a nie do filmu, więc potrzebujesz aby upewnić się, że masz dobrze przemyślane postacie przed rozpoczęciem. Dobre postacie:
   • Są okrągłe. Oznacza to, że mają wiele aspektów, a nie tylko „zły człowiek” czy „silna bohaterka”. Okrągłe postacie mają mocne strony i słabości, dzięki którym można je odnieść do publiczności.
   • Miej pragnienia i lęki. Nawet jeśli jest tylko jeden z każdego, dobry bohater czegoś chce, ale nie może tego zdobyć. Ich zdolność lub niezdolność do przezwyciężenia strachu (przed byciem biednym, samotnością, kosmitami, pająkami itp.) Napędza ich konflikt.
   • Mieć agencję. Dobra postać nie jest oszukiwana z powodu twojego scenariusza wymagania je gdzieś pójść. Dobra postać dokonuje wyborów, które przesuwają fabułę do przodu. Czasami jest to tylko jeden wybór, który napędza wszystko inne (Llewellyn, To nie jest kraj dla starych ludzi ), czasami jest to seria dobrych / złych wyborów w każdej scenie ( amerykański pośpiech ).
3. 3 Naszkicuj główne punkty fabularne swojego filmu. Niektórzy lubią wymyślać postacie i założenia, a potem zacząć pisać. Wszyscy scenarzyści widzą jednak wartość 5-punktowej fabuły, w której 5 kluczowych, eskalujących momentów tworzy film. Prawie każdy wyprodukowany film jest zgodny z tą ogólną strukturą, z Park Jurajski, i Tylko przyjaciele, do Jowisz wznosi się. Nie oznacza to, że twój skrypt musi być zgodny z tym szablonem, ale jest metoda na to szaleństwo. W każdym filmie jest 5 głównych momentów, które przypadają dokładnie w to samo miejsce, i potrzebujesz dobrego powodu, aby odejść od tego systemu, jeśli chcesz być „oryginalny”:
   • Ustawić: Kim są twoje postacie, gdzie mieszkają i czego chcą? To jest pierwsze 10% lub mniej filmu.
   • Zmiana planów / szansy / konfliktu: Dzieje się coś, co wprawia w ruch konflikt - Erin Brockovich dostaje pracę, szkołę Bardzo zły urządza imprezę, przedstawia Neo Macierz, itd. To mniej więcej 1/3 twojego skryptu.
   • Punkt bez powrotu: Do tego momentu bohaterowie ciężko pracują, aby urzeczywistnić swoje cele. Ale w połowie filmu dzieje się coś, co uniemożliwia zawrócenie. Złoczyńca z Bonda ponownie atakuje Gladiator przybywa do Rzymu, Thelma i Louise obrabować ich pierwszy sklep itp.
   • Główna porażka: Od momentu, w którym nie ma powrotu, stawki wzrosły. Postaci i publiczność wydają się stracić wszelką nadzieję. To wtedy rozstaje się dziewczyna i facet w każdej komedii romantycznej, kiedy wylatuje Ron Burgundy Anchorman, i kiedy John McClane zostaje pobity i zakrwawiony Trud. Dochodzi do 75% twojej historii.
   • Punkt kulminacyjny: Bohaterowie wykonują ostatni, totalny wysiłek, aby osiągnąć swoje cele, kończąc się największym wyzwaniem ze wszystkich. To jest moment przejścia przez lotnisko, ostatnie dziury Caddyshack, lub pojedynek między bohaterem a złoczyńcą. Po rozwiązaniu ostatnie 10% scenariusza łączy luźne końce i pokazuje następstwa punktu kulminacyjnego.
4. 4 Napisz swój scenariusz. Jeśli sam produkujesz film, możesz użyć dowolnego formatu pisma. Jednak oprogramowanie do pisania scenariuszy, takie jak Celtx, Writer Duets i Final Draft, pomoże Ci uzyskać formatowanie o jakości studyjnej wraz z narzędziami specyficznymi dla scenarzystów. Te programy zostaną automatycznie sformatowane i są świetnym sposobem na sprawdzenie długości filmu - 1 strona sformatowanego skryptu to mniej więcej 1 minuta czasu wyświetlania.
   • Zanotuj sobie kilka rzeczy, takich jak sceneria, sceneria i aktorzy, ale skup się głównie na dialogach. Pozostałe decyzje podejmiesz później, gdy będziesz mieć kamery, aktorów i lokalizacje.
   • Przygotuj się również na przepisanie. Niemal niemożliwe jest odtworzenie wszystkich twoich chwil - postaci, fabuł, motywów, żartów itp. - od razu. Gdy skończysz, wróć do skryptu i spróbuj przeczytać go obiektywnie. Czy obejrzałbyś ten film?
5. 5 Przeczytaj tabelę, aby poprawić swoje pisanie. Czytanie tabel jest niezbędne do dopracowania dobrego scenariusza i przygotowania się do filmu. Zbierz kilku przyjaciół lub aktorów i daj każdemu scenariusz z 2-3-dniowym wyprzedzeniem. Następnie zaproś ich do siebie i zrób próbę całego filmu, każąc im wypowiedzieć się na głos, podczas gdy ty lub ktoś inny opowie ci o tym, co robisz. Zanotuj wszelkie wiersze, które brzmią nienaturalnie lub niezręcznie, gdzie scena jest krótka i ile czasu zajmuje przeczytanie scenariusza.
   • Zapytaj aktorów / przyjaciół, co o nich myślą. Gdzie się pogubili, co kochali? Zapytaj ich, czy czuli, że ich charakter był dobrze przemyślany i konsekwentny.
   • Staraj się nie odgrywać roli i po prostu słuchaj. Czy słyszysz, jak Twój film ożywa? Czy to brzmi tak, jak się spodziewałeś? Chcesz usłyszeć te chwile teraz, a nie wtedy, gdy włączają się kamery.
   Reklama

metoda 2 z 4: Przygotowanie do produkcji

1. jeden Sporządź listę wszystkich potrzebnych Ci sprzętu i sprzętu. Tworzenie filmu wymaga wielu narzędzi, w tym kamer, mikrofonów i świateł. Zrób szybki spis tego, co masz na sprzęt, a następnie znajdź sposoby na wypełnienie dziur:
   • Aparaty: Oczywiście nie można by nakręcić filmu bez aparatu. W przypadku większości filmów potrzebujesz co najmniej 2 aparatów, a najlepiej 3. To powiedziawszy, współczesne postępy w dziedzinie aparatów umożliwiły nagranie filmu za pomocą iPhone'a 6, więc nie musisz już tracić dużych pieniędzy. Najważniejsze dla profesjonalnego filmu jest posiadanie kamer, które nagrywają w tym samym formacie (na przykład 1080i), w przeciwnym razie jakość wideo będzie się subtelnie zmieniać przy każdym cięciu. Jeśli masz ograniczony budżet, zwykle możesz uciec za pomocą telefonu lub standardowego aparatu DSLR.
   • Mikrofony: Jeśli jesteś w opałach, wydaj pieniądze na sprzęt audio: udowodniono, że widzowie zauważają zły dźwięk przed złym wideo. Chociaż możesz użyć dołączonych mikrofonów do aparatu, jeśli musisz, mikrofon Tascam lub mikrofon typu shotgun jest zawsze opłacalną inwestycją.
   • Oświetlenie: Jeśli możesz dostać świetny 3-5-elementowy zestaw oświetleniowy, użyj go. Te światła mają różnorodne funkcje i ustawienia, które pomagają oświetlić każdą możliwą sytuację. Jednak 5-10 tanich lamp zaciskowych i przedłużaczy zapaliło wiele niezależnych filmów. Wszystko, czego potrzebujesz, to światła i różne żarówki (wolframowe, matowe, LED itp.), Aby dostosować scenę.
   • Niezbędne akcesoria: W zależności od filmu będziesz potrzebować kart pamięci, zapasowego dysku twardego, statywów, reflektorów, przedłużaczy, czarnej taśmy (do zakrycia lub zaklejenia przewodów) oraz oprogramowania do edycji wideo na komputerze.
2. 2 Utwórz storyboard dla każdej sceny. Storyboardy wyglądają trochę jak szorstkie komiksy - rysujesz ogólne ujęcie, a następnie dodajesz okno dialogowe, które należy powiedzieć poniżej. Możesz łatwo pobrać szablony online, a następnie narysować je przed sesją. Storyboardy są jak listy kontrolne podczas filmowania, pomagając uchwycić każde potrzebne ujęcie, dzięki czemu podczas edycji nie zdajesz sobie sprawy, że nagle czegoś brakuje.
   • Każda narysowana klatka staje się twoją listą ujęć - szczegółową książką wypełnioną każdym kątem kamery, który musisz uchwycić, aby opowiedzieć swoją historię. Po zakończeniu tworzenia scenorysu skopiuj go i umieść w segregatorze do późniejszego wykorzystania.
   • Rób notatki cięć i przejść oraz niezbędnych efektów dźwiękowych. Te rysunki nie muszą być sztuką, muszą wizualnie opowiadać historię Twojego filmu.
   • Może to wydawać się nudne, ale pozwoli Ci zaoszczędzić czas na planie, który szybko staje się kosztowny.
3. 3 Znajdź swoje zestawy i lokalizacje. Istnieje wiele szkół myślenia o wyborze zestawów i żadna z nich nie jest błędna. Możesz budować własne zestawy, aby uzyskać maksymalną kontrolę twórczą, ale wymaga to czasu i dużych pieniędzy. Możesz fotografować w domach i miejscach, do których masz łatwy dostęp, takich jak dom lub ogród znajomego. Alternatywnie możesz wynająć ulubione przestrzenie, uzyskując prawa do filmowania w szkole, hotelu lub parku. Bez względu na to, co robisz, upewnij się, że Twój plan pasuje do Twojego filmu i pozwoli Tobie i Twojej ekipie przejąć to miejsce na wiele godzin bez przeszkód.
4. 4 Skorzystaj ze swojej scenorysu i listy wyposażenia, aby ustalić budżet. To może być moment, którego każdy filmowiec nienawidzi najbardziej, ale zanim zaczniesz kręcić, potrzebujesz realistycznego wyobrażenia o kosztach filmu. Nie chcesz, na przykład, być w połowie strzelaniny i zdawać sobie sprawę, że nie możesz już sobie pozwolić na wypożyczenie samochodu do kulminacyjnej sceny pościgu. Zachowaj prosty i realistyczny budżet. Czy naprawdę potrzebujesz 10 dział rekwizytów, czy możesz zrobić z 2? Czy możesz wyeliminować lub zmienić scenę z 100 dodatkami, aby mieć 10? Musisz przeznaczyć na:
   • Sprzęt, którego obecnie nie posiadasz.
   • Rekwizyty, kostiumy i lokalizacje (np. Wynajem sali balowej lub restauracji).
   • Opłaty dla załogi i aktora. Załogi i aktorów można zdobyć za darmo, ale rzadko zdarza się, aby ludzie pomagali bez wynagrodzenia dłużej niż 1-2 dni. Możesz zaoferować przysługi w zamian za pomoc w krótszej produkcji.
   • Koszty żywności i transportu dla ciebie, ekipy i aktorów.
   • Wiedz, że na „profesjonalną” sesję zdjęciową, z płatną ekipą i aktorami, powinieneś budżetować na poziomie minimum, 5000 dolarów dziennie.
5. 5 Zatrudnij aktorów i członków ekipy. Masz swoje postacie, listę strzałów i niezbędny sprzęt - teraz potrzebujesz kogoś, kto to wszystko wykorzysta. Wybór aktorów to osobisty wybór - możesz organizować przesłuchania, korzystając z Craigslist lub postów w gazetach, odwiedzać lokalne teatry lub angażować znajomych. Jeśli chodzi o członków załogi, jest wiele stanowisk, które musisz wypełnić:
   • Operator (DP): Prawdopodobnie najważniejsza praca, to oni są odpowiedzialni za kamery i światła. Podczas gdy Ty reżyserujesz aktorów i decydujesz o ujęciu, oni zajmują się technicznymi aspektami filmu. Potrzebujesz kogoś, kto rozumie obiektywy, aparaty i oświetlenie, nawet jeśli jest to tylko przyjaciel, który interesuje się fotografią. Bardzo, bardzo trudno jest skutecznie oświetlić scenę, miejsce, kamery, oglądać aktorów i jednocześnie ustawić scenerię, więc znajdź kogoś, kto może odciążyć cię i pozwolić reżyserować.
   • Asystent Dyrektora (AD) : Planuje ujęcia, upewnia się, że lista ujęć jest zakryta, kręci krótkie sceny, jeśli reżyser jest zajęty. Może również pomóc w budżecie.
   • Operatorzy kamer i mikrofonów: Nie wymaga wyjaśnienia, ale niezbędne. Bez nich nie możesz zrobić filmu.
   • Wizażysta: Chociaż każdy może to zrobić, jego głównym zadaniem jest ciągłość. O ile w Twoim filmie nie upłynie dużo czasu, twarz i kostium aktora muszą wyglądać identycznie w każdej scenie, w przeciwnym razie widzowie zauważą zmiany. Każdego dnia rób zdjęcia kostiumu, makijażu i scen, aby upewnić się, że wygląda tak samo.
   • Inżynier dźwięku: Słuchaj całego nagrywanego dźwięku, upewniając się, że jest właściwy. Umieszczają również mikrofony, aby odbierać dialogi po ustawieniu świateł.
   • Producent liniowy: Wcześniej sprawdza lokalizacje, upewnia się, że pozwolenia i umowy są napisane i podpisane.
   • Asystent produkcji: Zawsze przydatni, ci ludzie robią wszystko, co trzeba - przygotowują jedzenie i kawę, czyszczą karty pamięci, a nawet trzymają aparat w razie potrzeby. Nigdy nie możesz mieć wystarczającej liczby członków załogi.
6. 6 Podpisuj umowy. Nieważne, z kim pracujesz ani jaki jest projekt - podpisz umowę. To chroni Cię w razie wypadków, prawnie zobowiązuje ludzi do obejrzenia Twojego filmu do końca i zapobiega procesom sądowym w przypadku odebrania filmu. Możesz wyszukać w Internecie „kontrakt z aktorem”, „kontrakt z producentem” itp. I łatwo i swobodnie dostosować go do swoich potrzeb, więc nie skąpi na tym etapie.
   • Kontrakty to, paradoksalnie, świetny sposób na zachowanie przyjaźni. Zamiast później się o coś kłócić, możesz po prostu wrócić do tego, co już masz na piśmie.
   • Upewnij się, że masz przepis, zwłaszcza dla aktorów, który wymaga od nich ukończenia filmu po rozpoczęciu zdjęć.
7. 7 Stwórz swój harmonogram filmowania. Realistycznie, jeśli nie masz tylko kilku osób w swoim scenariuszu i 1-2 lokalizacjach, w dobry dzień zrobisz tylko 5-10 stron scenariusza. W przypadku dużych lub trudnych scen możesz otrzymać tylko 2-3 strony. Im więcej czasu możesz spędzić na filmowaniu, tym lepiej, ale im więcej czasu spędzisz na filmowaniu, tym więcej pieniędzy też wydasz. Sposób zrównoważenia tego zależy od kilku czynników:
   • Jakie sceny rozgrywają się w tym samym miejscu? Czy możesz je sfilmować tego samego dnia, nawet jeśli są niesprawne?
   • Jakie sceny mają ogromne listy ujęć? Wykonanie tych czynności w pierwszej kolejności może zapewnić, że „duże” sceny uzyskasz tak, jak chcesz.
   • Czy jakieś strzały są zbędne, jeśli brakuje czasu / pieniędzy? Umieść te ostatnie.
   • Ten harmonogram może i prawdopodobnie będzie musiał być płynny. Ale im więcej możesz się tego trzymać, tym lepiej.
   Reklama

metoda 3 z 4: Filmowanie Twojego filmu

1. jeden Przygotuj się na wszystko z wyprzedzeniem. Powinieneś być pierwszym na planie i wychodzącym jako ostatni każdego dnia. Kręcenie filmu nie jest łatwe i musisz założyć, że wszystko, co może pójść nie tak, będzie. Aktorzy chorują, pogoda nie współpracuje, a setki drobnych decyzji (oświetlenie, rozmieszczenie postaci, kostiumy) trzeba podejmować co godzinę. Jedynym sposobem na udane nagranie jest wykonanie jak największej ilości pracy, zanim jeszcze zaczniesz.
   • Przejrzyj listę zdjęć dnia. Co potrzebujesz, a co możesz wyciąć, jeśli skończy Ci się czas?
   • Ćwicz z aktorami. Upewnij się, że znają swoje linie i wiedzą, jak chcesz, aby grały.
   • Przejrzyj opcje oświetlenia i aparatu dzięki DP.
2. 2 Poinformuj wszystkich, czego się oczekuje na początku sesji. Podaj wszystkim szczegóły w prosty sposób od góry. Jest to szczególnie ważne w przypadku filmów niskobudżetowych, ponieważ zazwyczaj trochę gry aktorskiej i pracy otrzymasz za darmo. Poinformuj obsadę i ekipę, jakie są Twoje cele na dzisiejszy dzień i jak bardzo są wdzięczni za wsparcie.
   • Podaj harmonogram dnia z wyprzedzeniem, aby wszyscy byli przygotowani.
   • Poinformuj załogę o wszelkich efektach specjalnych lub nastrojach, na które masz ochotę i jak mogą pomóc w ich tworzeniu.
   • Przejrzyj procedurę fotografowania, aby wszyscy znali swoją rolę.
3. 3 Skonfiguruj blokowanie sceny. Blokowanie jest tam, gdzie aktorzy są i dokąd idą. To pierwszy krok do każdego filmowania, a najważniejszy - wszystkie światła, kamery i dźwięk nie mogą zostać umieszczone, dopóki nie zostaną skończone. Jeśli scena jest dobrze przećwiczona, powinno to być łatwe. Jeśli nie, musisz poświęcić trochę czasu na umieszczenie aktorów w odpowiednich miejscach.
   • Postaraj się, aby było to tak proste, jak to tylko możliwe - chodzenie po prostych liniach, podstawowe wejścia i wyjścia, a głównie w nieruchomych pozycjach. To nie jest gra, a kamery uchwycą tylko niewielki wycinek całej sceny. Niech kamera wykonuje ruch, kiedy tylko jest to możliwe, a nie aktorzy.
   • Na podłodze można położyć taśmę, aby powiedzieć aktorom, gdzie mają skończyć po każdym ujęciu.
   • Aby zaoszczędzić czas, często możesz wstępnie zaplanować, korzystając z członków załogi lub szczegółowej listy ujęć. Jeśli masz już wypisane blokowanie, nagranie będzie znacznie bardziej produktywne.
4. 4 Skonfiguruj swoje kamery. Istnieje nieskończona liczba sposobów umieszczania, przenoszenia i używania kamer. Dlatego lista ujęć, która jest po prostu listą wcześniej ustalonych pozycji kamer, jest niezbędna, aby zaoszczędzić czas i pieniądze. Ze względu na czas, trzy podstawowe kąty widzenia kamery w scenie dialogu to:
   • Ustanawianie strzałów lub mistrzów: Ujęcia ustalające zawierają całą akcję sceny - mówiących bohaterów, scenografię i ruchy. Są to długie, szerokie ujęcia, które gdyby coś poszło nie tak, można by sfilmować całą scenę, ponieważ rejestrują wszystko.
   • 2 zdjęcia (2 kamery): Jedna kamera nad ramieniem każdego aktora, skierowana na drugiego aktora. W ten sposób możesz patrzeć na każdą postać podczas rozmowy.
   • Podczas filmowania 3 lub więcej aktorów spróbuj to zablokować, aby mieć w kadrze jednocześnie 2 postacie - w ten sposób wystarczy jedna kamera, aby uchwycić ich dialog.
   • Oglądaj swoje ulubione filmy wnikliwym okiem. Jak na przykład film uchwyciłby randkę z kolacją między 2 osobami? Zauważysz te trzy kąty kamery (jeden z nich + stół, jeden facet, jedna dziewczyna) bardziej niż jakikolwiek inny zestaw ujęć.
5. 5 Ustaw swoje światła. Pamiętaj, zawsze lepiej jest mieć więcej światła niż mniej. Łatwo jest przyciemnić obraz w postprodukcji, ale bardzo trudno jest go rozjaśnić bez utraty jakości obrazu. Zawsze, gdy to możliwe, korzystaj z naturalnego światła, a przede wszystkim zachowaj prostotę. Twoim celem jest ładny, stopniowy zakres świateł - głębokie, ciemne cienie i bardzo niewiele dużych jasnych punktów.
   • Umieść aparat w czerni i bieli, aby zobaczyć tylko jasność obrazu. Jeśli nadal jest to ciekawe zdjęcie czarno-białe, będzie wyglądało niesamowicie w kolorze.
   • Półtorej godziny wokół wschodu i zachodu słońca jest uważane za najlepszy czas na fotografowanie w naturalnym świetle. Oświetlenie jest miękkie i równomierne, a ten czas można wykorzystać nawet do oświetlenia ujęć „nocnych”, które później w postprodukcji są przyciemniane.
   • Użyj „praktycznych” lub świateł scenicznych. Masz problem z odpowiednim oświetleniem? Umieść lampę w kadrze lub włącz światła sufitowe.
6. 6 Dowiedz się, jak rozpocząć sesję. Techniki rozpoczęcia filmu będą się różnić w zależności od planu, ale nie powinny się różnić w zależności od ujęcia. Rutyna przed rozpoczęciem filmowania zapewnia, że ​​wszyscy są na tej samej stronie za każdym razem. Jeśli to możliwe, jest to obowiązek AD. Przykładowa procedura obejmuje:
   • „Wszyscy to jest zdjęcie, proszę o ciszę!”
   • 'Roll sound!' To jest wskazówka, aby uruchomić mikrofony. Kiedy skończysz, ktoś wrzeszczy: „Rolling!”
   • „Roll Picture!” To jest wskazówka do uruchomienia kamer. Po zakończeniu ktoś wrzeszczy, zazwyczaj „Prędkość!”
   • Przeczytaj tytuł, scenę i numer: „To mój film, scena 1, ujęcie 2”. Jeśli masz clapboard, jest uderzany i ktoś krzyczy „Marker!”
   • 3-5 sekund ciszy.
   • 'AKCJA!'
7. 7 Nagraj swoją relację, gdy będziesz mieć odpowiednią scenę. Wybierz kilka ekstremalnych ujęć, ciekawe ujęcia otoczenia lub zbliżenia twarzy, dłoni lub rekwizytów postaci i ponownie uruchom scenę. Te ujęcia mogą trwać tylko 1-2 sekundy w filmie, ale są niezbędne do edycji. Spójrz na dowolny film i zwróć uwagę, jak wiele małych, pozornie bezużytecznych ujęć jest używanych, aby wejść w świat sceny, pokazać emocjonalne drganie lub po prostu przejść od sceny do sceny. Nagraj te ujęcia, gdy aktorzy przedstawią swoje linie zgodnie z Twoimi upodobaniami.
   • Czy postacie mówią o torcie na stole? Następnie potrzebujesz ujęcia samego ciasta na stole. Chcesz pokazać, która jest godzina? Następnie potrzebujesz ujęcia zegara na ścianie.
8. 8 Codziennie przeglądaj nagrania i wykreślaj listę ujęć. Być może będziesz musiał poświęcić się w zależności od budżetu i czasu, ale nawet reżyserzy z Hollywood są do tego zmuszeni. Po każdym dniu upewnij się, że masz wszystko, czego chcesz i potrzebujesz, a następnie skreśl to z listy ujęć. Musisz wiedzieć teraz, a nie 3 miesiące później, gdy zaczynasz edytować, czy czegoś brakuje.
9. 9 Podnieś strzały B-roll. B-roll to po prostu ujęcia bez aktorów. Zwykle jest używany w przejściach, otwieraniu lub zamykaniu napisów lub zakładaniu nowej lokalizacji. Wyrusz z kamerą, a Ty DP i zbierz jak najwięcej godzin materiału filmowego. Twoim głównym celem jest zastanowienie się nad materiałem, który może uzupełniać film. Na przykład B-Roll in Pijana miłość to seria abstrakcyjnych, wielokolorowych ujęć, które pasują do zdezorientowanego, niespokojnego i kalekiego stanu psychicznego bohatera. Filmy szpiegowskie zwykle zawierają wiele wspaniałych plaż, tętniących życiem miast i dramatycznych krajobrazów. B-roll subtelnie i wizualnie opowiada Twoją historię.
   • Nigdy nie możesz mieć dość B-roll. Kiedy edytujesz, jest to tkanka łączna, która trzyma twoje sceny razem, aby stworzyć legalny film.
   • Możesz i powinieneś kręcić B-roll przed i po `` zakończeniu '' sceny, ponieważ te 2-3 sekundy to świetny sposób, aby powoli wprowadzić publiczność na scenę.
10. 10 Codziennie twórz kopie zapasowe nagrań. Pod koniec fotografowania poświęć trochę czasu na zdjęcie materiału filmowego z kart pamięci i załadowanie go na bezpieczny dysk twardy. Ten mały krok pod koniec dnia może zaoszczędzić wiele godzin w niefortunnym przypadku utraty materiału filmowego.
    • Większość profesjonalistów używa więcej niż jednej kopii zapasowej, kopiując cały materiał filmowy do co najmniej dwóch źródeł przed skasowaniem czegokolwiek z kart pamięci.
    • Poświęć trochę czasu na uporządkowanie materiału filmowego. Utwórz folder na dzień, w którym nagrałeś, a następnie uporządkuj materiał w tym folderze według sceny. To znacznie ułatwi strzelanie.
    Reklama

metoda 4 z 4: Edycja filmu

1. jeden Wybierz odpowiednie oprogramowanie do edycji swojego filmu. Istnieje wiele opcji do wyboru, jeśli chodzi o oprogramowanie do edycji wideo (często nazywane programami do edycji nieliniowej lub NLE), od bezpłatnych programów, takich jak iMovie i Windows Movie Maker, po złożone, profesjonalne narzędzia, takie jak Final Cut Pro i Adobe Premier. To, co zdecydujesz się użyć, zależy w dużej mierze od osobistych preferencji i rodzaju projektu, nad którym pracujesz:
   • Darmowe oprogramowanie, takie jak iMovie i Windows Movie Maker, jest naprawdę przydatne tylko w przypadku małych filmów, zwykle krótszych niż 20 minut. Nie są zaprojektowane do obsługi wielu kątów wideo i kamery i mają ograniczoną liczbę przejść i opcji efektów.
   • Płatne oprogramowanie jest niezbędne dla każdego początkującego filmowca. Jeśli używasz wielu kamer na scenie, potrzebujesz płynnego tekstu, przejść lub efektów albo po prostu potrzebujesz profesjonalnego programu, musisz zainwestować w dobre oprogramowanie. Obecnie trzy „standardowe w branży” programy to Avid, Final Cut X i Adobe Premier, a każdy z nich ma wysoką cenę, często 400 USD lub więcej. Często można jednak subskrybować te programy za niewielką miesięczną opłatą.
2. 2 Zaimportuj scenę do edytora wideo. W przypadku krótkiego filmu (poniżej 20-30 minut) prawdopodobnie możesz zaimportować cały materiał naraz. Ale jeśli robisz film fabularny lub po prostu pracujesz z wieloma kątami kamery, będziesz chciał zmontować swój film w kawałkach. Importuj tylko ten materiał filmowy, którego potrzebujesz do danej sceny, a także wszelkie istotne materiały dodatkowe.
   • Jeśli masz wiele kamer na tej samej scenie, użyj opcji „Synchronizuj” w programie, aby ustawić je wszystkie w jednej linii. Znajdź w swoich programach „tryb edycji wielu kamer”, który ułatwia przełączanie między wieloma ujęciami jednocześnie, wyszukując online „[Twój program] Multi-Cam Edit”. Dopasowuje to wszystkie kamery, dzięki czemu nie musisz spędzać godzin, upewniając się, że każde cięcie jest na czas z ostatnim ujęciem.
3. 3 Użyj kilku pierwszych zdjęć, aby ustawić nastrój i temat sceny. Pierwsze ujęcia ustalą ostrość sceny. Masz prawie nieskończoną liczbę opcji, ale niektóre z najczęstszych to:
   • Ustanawiający strzał: Jest to zdecydowanie najczęstszy sposób rozpoczynania sceny. To ujęcie pokazuje wszystkich głównych aktorów, scenę i miejsce naraz. Dzięki temu publiczność może wczuć się w scenę, a następnie może śledzić pozostałe kawałki, które nadejdą.
   • Charakter skoncentrowany: Niezależnie od tego, czy wypowiadają pierwszą linijkę, czy nie, idąc za głównym bohaterem sceny, mówi widzom, że jest to osoba, na którą muszą zwrócić uwagę - coś im się stanie lub będą mieli jakąś realizację.
   • Ustawiać scenę: Użyj funkcji B-roll i ujęć pomieszczenia / otoczenia, aby poczuć lokalizację. Jest to używane w wielu filmach, szczególnie w horrorze, gdzie scena może zaczynać się od 5-6 przerażających ujęć nawiedzonego domu z niebezpiecznym pokojem.
4. 4 Zbuduj dialog wokół najlepszych ujęć aktora. Obejrzyj ponownie swoje nagrania i zobacz, które sceny lubisz najbardziej - w których wszyscy uderzają w swoje znaki, dialogi były naturalne, a materiał filmowy jest wyraźny i ostry. Jeśli znajdziesz jedno ujęcie, w którym wszystko jest dobrze zrobione, masz szczęście, a Twoja praca będzie znacznie szybsza.
5. 5 Pokaż każdą postać, gdy dostarczają swoje linie. Ta zasada nie jest trudna i szybka, ale prawie zawsze powinieneś od niej zacząć. Stamtąd możesz zdecydować, czy ważniejsze jest oglądanie postaci słuchającej, czy mówiącej postaci. Zegarek Bicz lub Tam będzie krwawo aby dowiedzieć się, na czym powinna skupiać się scena w filmach zorientowanych na dialog.
   • Najlepsza postać do pokazania w scenie to zazwyczaj kwestia odczuć. Kto powinien być w centrum uwagi? Czy aktor daje szczególnie dobry wyraz lub reakcję na coś? Gdzie poszłyby twoje oczy, gdybyś siedział w pokoju z aktorami?
6. 6 Wypełnij wszelkie luki / błędy z b-rollu i innych prób. Czasami nie udaje się uzyskać jednego dobrego ujęcia i trzeba połączyć dużo materiału, aby scena działała. Jest to niezwykle powszechne, ale nie powinno być trudne, jeśli aktorzy za każdym razem prawidłowo uderzają w blokowanie. Dzieje się tak, gdy dodajesz szczegóły i kolor do sceny. Na przykład postać może zaoferować komuś ciasto na stole, a Ty możesz pokroić go w ujęcie. Lub w napiętej scenie przesłuchania możesz pokazać przestępcom twarzą z bliska, spoconych i zmartwionych, zanim przejdziesz do następnej linii dialogu.
   • Nie ma dobrze sposób edycji sceny, o ile pamiętasz, że starasz się opowiedzieć historię ponad wszystko. Niech obrazy przemawiają jak najwięcej.
7. 7 Dostosuj czas sceny, aby nadać jej rytm. Edycja dotyczy tempa i czasu. Potrzebujesz, aby film płynął naturalnie. Dlatego redaktorzy myślą w kategoriach pojedynczych klatek - mikro-sekundowe ujęcia, które widać po zatrzymaniu ekranu - zamiast sekund. Z tego powodu wielu redaktorów pracuje nad muzyką, edytując klatki, aby pasowały do ​​rytmu lub piosenki i nadały rytm scenie. Nie musisz trzymać się naturalnego rytmu aktorów na ekranie, aw wielu przypadkach nie. Dodanie lub usunięcie przerw, nawet o kilka dziesiątych sekundy, może sprawić, że dobry występ będzie świetny. Na przykład:
   • Sceny komediowe, zorientowane na akcję lub pełne energii mają bardzo szybki czas. Między wierszami nie ma zbyt wielu odstępów, a słowa prawie nachodzą na siebie, aby wyjść. To sprawia, że ​​scena jest szybka i żywa.
   • Napięte sceny są zwykle wolniejsze. Przerwy są przeciągane, b-roll jest używany intensywnie, a strzały są utrzymywane przez długi czas, aby widz poczuł się niekomfortowo. Obejrzyj klasę mistrzowską w powolnym edytowaniu 12 lat niewolnika, zwłaszcza wisząca scena w środku filmu.
   • Ludzki mózg potrzebuje 3-5 klatek, aby rozpoznać obraz. Oznacza to, że jeśli próbujesz działać zbyt szybko, możesz po prostu zmylić publiczność.
8. 8 Naucz się różnych rodzajów cięć, aby profesjonalnie edytować. Montaż to sztuka opowiadania historii poprzez cięcia. Innymi słowy, film to po prostu seria filmów umieszczonych jeden po drugim, a sposób, w jaki przechodzisz od jednego do drugiego, to sposób, w jaki widzowie odbierają historię. Dlatego to, w jaki sposób zamawiasz cięcie z jednego filmu do drugiego, jest „sprawą” podczas montażu filmu. Najlepsze kawałki są płynne, opowiadając historię, a publiczność nie zdaje sobie sprawy, że przeskakiwaliśmy z jednej sceny do drugiej.
   • Hard Cut - natychmiastowe cięcie pod innym kątem, zwykle w tej samej scenie. To najczęstsze cięcie w filmie.
   • Smash Cut - Nagłe przejście do zupełnie innej sceny. Zwraca to uwagę na cięcie, często sygnalizując zaskoczenie lub duże przesunięcie fabuły.
   • Jump Cut - Nagłe cięcie wykonane w tej samej scenie, często pod nieco innym kątem. Są rzadkie i zwykle pokazują zamęt lub upływ czasu.
   • J-Cut - Kiedy usłyszysz dźwięk z następnego ujęcia, zanim zobaczysz wideo. To świetny sposób na tematyczne powiązanie dwóch scen lub zapewnienie narracji.
   • L-Cut - Kiedy zobaczysz wideo z następnego ujęcia, zanim usłyszysz dźwięk. To świetny sposób na pokazanie postaci, która mówi o czymś, na przykład o obietnicy, a następnie to robi (lub ją łamie).
   • Action Cut - Cięcie w środku akcji, jak ktoś otwierający drzwi, które „ukrywa” cięcie w akcji. Na przykład, jedna postać mogłaby się ruszyć, by pocałować, a gdy ich głowa przechodzi przez ekran, przycinasz ją do głowy, wchodząc na ekran pod innym kątem, zwykle jest to osoba, która ma być pocałowana.
9. 9 Połącz sceny za pomocą B-roll i przejść. Kiedy już stworzysz swoje sceny, czas zacząć je łączyć. Jeśli edytujesz wszystkie swoje sceny jako osobne pliki, zaimportuj je do nowego projektu „Master Film” i uporządkuj. Następnie użyj swojego B-roll, ujęć krycia i przejść, aby płynnie je połączyć. Podczas gdy początkowo patrzyłeś na timing sceny, teraz patrzysz na timing film - czy możesz przyciąć scenę tu i tam, aby przyspieszyć działanie? Czy potrzebujesz trochę więcej przewijania między scenami, aby dać widzom czas na reakcję w dramatycznym momencie? Ponownie - czas jest wszystkim.
   • To dobry moment, aby poprosić znajomego o obejrzenie filmu razem z Tobą. Czy dostają wszystko, co się dzieje? Czy są jakieś punkty fabuły, które giną w tasowaniu i potrzebują więcej czasu? Cokolwiek, co jest przesadnie wyjaśnione i można je usunąć?
   • Ogólnie rzecz biorąc, im więcej tniesz, tym lepszy film. Jeśli scena nie działa i nie dodaje nic przydatnego do fabuły, pozbądź się jej.
10. 10 Popraw kolor i dźwięk swojego filmu, aby był profesjonalny. Gdy film będzie już tak dobry, jak to tylko możliwe, czas na długi proces porządkowania. Ostatnim i najważniejszym etapem profesjonalnego filmu jest korekcja kolorów i miksowanie dźwięku. Chociaż na ten temat są napisane całe książki, najlepszą radą jest po prostu, aby wszystko wyglądało spójnie - sceny mają podobne oświetlenie i kolory i nie ma miejsc, w których dźwięk byłby rażąco głośny lub trudny do usłyszenia.
    • Istnieje wiele studiów, które za niewielką opłatą mogą dokonać profesjonalnej korekcji kolorów i miksowania dźwięku. Jeśli nie masz pewności, jak to zrobić i chcesz mieć profesjonalny film, zdecydowanie powinieneś zapłacić za profesjonalną gradację kolorów i miksowanie dźwięku.
11. jedenaście Edytuj, aby opowiedzieć historię, a nie być krzykliwym. Istnieje wiele krzykliwych, znanych i stylizowanych filmów, które wydają się świetnym pomysłem do skopiowania. W szczególności Quentin Tarantino i Guy Ritchie widzieli swoje animowane, kinetyczne style w filmach takich jak Pulp Fiction i Zamek, zapas i dwie beczki wędzarnicze, przywłaszczone przez młodych filmowców na całym świecie. Ci ludzie nie zdają sobie sprawy z tego, że ci reżyserzy wybrali ten styl, ponieważ pasował do filmu. Edycja wygląda bez wysiłku, ponieważ po prostu pozwala historiom (historiom kinetycznym, zorientowanym na akcję) zająć centralne miejsce. Twoim zadaniem numer jeden podczas edycji jest umożliwienie opowiadania historii w naturalny sposób. Prowadzisz widza, ale w żadnym momencie widz nie powinien komentować edycji. Najlepsza edycja jest niewidoczna. Reklama

Pytania i odpowiedzi społeczności

• Pytanie Czego potrzebuję, aby nakręcić film?wikiHow Redaktor personelu
  Odpowiedź personelu Ta odpowiedź została napisana przez jednego z naszych wyszkolonych badaczy, który potwierdził ją pod względem dokładności i wszechstronności. wikiHow Staff Redaktor Personel Odpowiedź Po prostu pracuj z lokalizacjami i rzeczami, do których już masz dostęp. W ten sposób możesz zaoszczędzić pieniądze i znaleźć kreatywne rozwiązania.
• Pytanie Jaki był pierwszy film, jaki kiedykolwiek powstał? Uważa się, że Roundhay Garden Scene jest najstarszym istniejącym filmem. Technicznie rzecz biorąc, jest to film, mimo że trwa tylko 2 sekundy.
• Pytanie Jak zdecydować, gdzie filmować? Opieraj swój wybór na dominujących emocjach w scenie, a także na historii. Jeśli jest to smutna scena zerwania, na zewnątrz w ulewnym deszczu jest bardziej dramatycznie. Jeśli jest to romantyczna rozmowa, spróbuj w nocy na wygodnej sofie lub na plaży.
• Pytanie Jak udostępnić swój film publicznie? Możesz przesłać go do usługi przesyłania strumieniowego online lub możesz wynająć agenta, aby go dla Ciebie kupił.
• Pytanie Jestem nowy na polu reżyserii. Nic o tym nie wiem, ale chcę zrobić film. czy to możliwe? Tak, jest to możliwe, jeśli zbadasz filmowanie i go przestudiujesz. Jeśli nie jesteś na zajęciach, które zajmują się głównie filmowaniem / reżyserią, możesz chcieć zbadać podstawy filmowania, a następnie przejść do zaawansowanych rzeczy później.
• Pytanie Jak zdobyć wszystkich ludzi, których będę potrzebować do filmu? Zacznij od znajomych i osób, które znasz, by dobrze z tobą pracowały i razem. Jeśli wybierasz się na bardziej profesjonalny film, zaplanuj większy budżet i korzystaj z witryn z ofertami pracy.
• Pytanie Co muszę zrobić, jeśli chcę stworzyć film na podstawie oficjalnego materiału multimedialnego? Będziesz musiał uzyskać oficjalne pozwolenie od mediów i podpisać umowę. Zwykle będziesz musiał zapłacić za prawa do korzystania z mediów.
• Pytanie Czy kręcenie filmu jest trudne? Stanley Kubrick To najtrudniejsza rzecz, jaką kiedykolwiek zrobiłem w życiu. Ale jeśli kochasz film i wszystko, co reprezentuje, nie będziesz miał nic przeciwko pracy.
• Pytanie Jak mogę być profesjonalnym fotografem? Aby być profesjonalnym fotografem, poćwicz robienie ładnych, dobrze ustawionych zdjęć i zachowaj ładne zdjęcia, które zrobiłeś, aby kontynuować pracę nad innymi. Możesz też spróbować być dobrym kamerzystą w swojej praktyce do filmu.
• Pytanie Czy mogę po prostu pojechać do miasta z moją ekipą i filmować bez pozwolenia? To zależy od miejsca, w którym filmujesz. W niektórych obszarach obowiązują przepisy zakazujące filmowania w miejscach publicznych, więc najpierw sprawdź lokalne przepisy.